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Alicia Herrero
Por Garay Basualdo, Zuy y Antico
Entrevistamos a la coordinadora de LIPAC, un innovador espacio de experimentación para las Prácticas Artísticas Contemporáneas. |
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El proyecto denominado Lipac (Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas) iniciado a mediados de 2007 en la ciudad de Buenos Aires, en el Centro Cultural Rojas-Universidad de Buenos Aires con apoyo del Centro Cultural de España en Buenos Aires e Instituto Goethe, se centra precisamente en la idea de laboratorio, de espacio para la experimentación, abierto al intercambio, al debate y a la discusión entre artistas, críticos y curadores sobre el arte contemporáneo activo y en ebullición constante en la Argentina. Descubrir y vivenciar los procesos de construcción del arte, desde la idea hasta la ejecución es primordial a la hora de la reflexión. Es así que, como participantes de este proceso y, desde la investigación teórica, consideramos interesante realizar un alto en este recorrido y entrevistar a quien es, de alguna manera, el motor de este proyecto.
Alicia Herrero: artista visual con base en Buenos Aires, co-curadora/co-editora de Magazine in Situ. Graduada en IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte), ha recibido becas de Fundación Antorchas (Taller de Barracas) y del Fondo Nacional de las Artes.
Ha exhibido y presentado proyectos en: ICI-Centro Cultural de España Buenos Aires (1998); Museo Boijmans van Beauningen de Rotterdam (2001); MAMBA-Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2002); NGBK- Neue Gesellschaft für Bildende Kunst- Berlín (2003), Shedhalle, Zurich (2003); Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (2005); Museo de Arte Contemporáneo de Posadas (2006); Centro Cultural de España en Montevideo (2006 y 2007); Van Abbemuseum 2008.
Ha participado en distintas bienales, residencias y encuentros internacionales: V Bienal de La Habana (1994); Satellite-Göteborg Biennial-Rethinking Dissent, Göteborg (2007); Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia (2007). Residencias y encuentros: Guest Studios Duende (2000) and Kaus Australis en Rotterdam (2001-02); Big River 2 (2001), Trinidad; RIIA, Ostende (2006). En 2007 participa en ERA Encuentro Regional de Artes – Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo y en Be(com)ing Dutch Eindhoven Caucus, Van Abbemuseum Eindhoven (2007).
En relación al criterio de selección ¿qué propuestas se privilegiaron?
Se privilegiaron los mejores proyectos. ¿En qué sentido se calificaron? Primero, la presentación, cómo está narrado, con qué imágenes. Creo que cuanto más maduro y más compromiso tiene un artista con su práctica mejor encuentra el modo de transmitirlo. Vimos más problemas con los artistas más jóvenes con ciertas dificultades para hacerse entender. Se privilegiaron en forma democrática aquellos que nos parecieron más genuinos en cuanto a la necesidad de su aplicación. Con esto quiero decir que evidenciaban mas necesidad de hacer un recorrido por sus prácticas mediante debates, intercambios, en un proceso de crecimiento.
Se vieron en las reuniones progresos en cuanto a interés por el diálogo y por el intercambio más que en llegar a resultados exitosos individuales.
Entiendo que se está produciendo un giro importante a nivel de la escena local en cuanto que es un cambio absoluto en relación a qué es lo que se prioriza.
No estamos generando hordas de artistas para las galerías de Buenos Aires; independientemente de que esto ocurra; se privilegia la calidad de un trabajo discutido, programado, intercambiado con invitados de excelencia. Importa el proceso, la experiencia de haber conformado estas plataformas. Todo lo demás es otra cosa. La particularidad de LIPAC es que se piensa en un programa que articula la práctica del análisis y desarrollo de proyectos, con seminarios, workshops, reflexión y discusión.
¿Hay un contacto alternativo con los artistas seleccionados fuera de las reuniones programadas del LIPAC?
No está planteado en el proyecto. Transforma ciertas estructuras clásicas del docente como pivote de grupo y creo que si se entiende bien el proyecto, todo el tiempo en LIPAC se trata de jerarquizar la formación-trasmisión, pero no como una idea situada en un referente hegemónico. Acá lo protagónico son las plataformas de intercambios, construyen otra topología. Las plataformas incluyen prácticas, artistas/curadores locales e internacionales que vienen a presentar su trabajo, teóricos internacionales y locales que vienen a ofrecer conferencias y seminarios. Es decir, todo está dado para derribar la idea de una figura central y de un discurso fijo.
¿El LIPAC puede dar respuestas a las necesidades de artistas emergentes?
LIPAC no está planteado para dar respuestas a las necesidades de artistas emergentes. Jamás usamos la palabra emergentes. Trabajamos con plataformas de intercambio, de investigación. LIPAC está pensado para quien lo necesite, sea para quien recién comienza en su práctica o para quien esté avanzado. De hecho participan artistas con diferencias de trayectoria, de curriculum y de edad. Está pensado como una plataforma de profesionalización en el sentido investigativo y estudioso de la práctica, nunca como una oportunidad para prácticas emergentes.
¿Cuál es la proyección que te interesa que tenga el LIPAC?
No me interesa una proyección sólo local y por eso hay tanto interés internacional. Me refiero a curadores, artistas. Lo que se busca es disolver las fronteras, que LIPAC funcione como una micro-escena, que dentro de las distintas actividades que presenta Buenos Aires en las artes visuales esté LIPAC como algo específico donde pueden venir curadores como Nina Möntmann especialmente para estar con nosotros, no viene a otra actividad dentro de Buenos Aires o Sudamérica. Esta superación de lo nacional apunta a la jerarquización de la escena pero por otros valores. Tiene que ver con procesos formativos de transmisión.
¿Qué variables crees que definen la coyuntura del medio artístico local?
Es muy difícil hablar de lo local. ¿Qué es lo local? Este es un momento en que todo está absolutamente translocalizado. Si miran los currículum de los artistas que están construyendo la escena actual van a ver que viajan todo el tiempo. Cada vez más el artista contemporáneo viaja, va por ejemplo a la Bienal de San Pablo, a Montevideo a hacer una exposición, a Misiones a dar un seminario, a Londres a hacer una performance, etc. etc. Lo local es un tema del siglo XX. Quien define esto no es el artista, ni siquiera el arte, es el mercado y los circuitos culturales.
¿Cómo congenias tu actividad artística con la gestión cultural?
Para mi LIPAC no es un proyecto de gestión cultural, es un proyecto conceptual. LIPAC, Magazine in situ y otros proyectos que desarrollo de este tipo, son proyectos desplegados en contextos específicos, es la práctica artística expandida. De algún modo son formas de “intervención” de los espacios institucionales, quizas formas parasitarias. Mi tarea es imaginar y pensar “la composición”, a quienes podría integrar en el contexto que creo para cada año lectivo, porque y para qué. Yo los planteo y luego las instituciones son quienes completan el circuito proporcionando los recursos. La parte de gestión no me corresponde porque LIPAC esta dentro de una institución pública y quienes gestionan son la Universidad de Buenos Aires a través del Centro Cultural Rojas y las instituciones auspiciantes como el Instituto Goethe y el Centro Cultural de España.
Los artistas que trabajamos procesos de crítica institucional, como es mi caso, discutimos los vacíos institucionales. Parte de los dispositivos culturales existentes no acompañan muchos de los procesos artísticos. Al no acompañar ni las instituciones, ni los agentes culturales, los artistas creamos nuestros propios nodos semánticos, pero esto no es solo acá, se puede encontrar en la mayoría de las metrópolis. Generamos nuestras propias formas para producir intercambios, nuestras coyunturas para contextualizar nuestras prácticas. Al decir contextualizar me refiero a tener interlocutores, pares, que se interesen en lo qué estás trabajando y que entiendan por ejemplo a LIPAC como práctica y no como gestión cultural.
¿Cómo ves el cierre de este año en relación al estado de los proyectos?
El resultado del LIPAC es haber producido y trabajado en este marco. El mejor resultado es el vivir un proceso de transformación, vivir una mínima crisis, preguntarse, replantearse dónde estoy parado. Ademas de los más de 30 proyectos seleccionados en un año pasaron por allí por las diferentes plataformas: Nina Möntmann (curadora –Hamburgo/Stockolmo) Ricardo Basbaum (artista- Rio de Janeiro), Gustavo Romano (artista-BA), Catherine David (curadora - Paris), Fran Ilich (artista-México), Esteban Álvarez (artista-BA), Liliana Porter (artista-New York), Jorge Macchi (artista-BA), José Luis Brea (crítico-Madrid), Belén Gache (critica-BA), Kristina Muntzing y Kalle Brolin (artistas –Goteborg), Gonzalo Aguilar (investigador-BA), Alejandro Grimson (antropólogo BA), Leandro Erlich (artista-BA), Mara Facchin (artista-BA), Teresa Riccardi (critica-BA), Cristina Schiavi (artista-BA), Anne Kersten (curadora-Berlín), Dora Garcia (artista–Bruselas), Sonia Combe (crítica-Paris), Gabriela Forcadell (artista-BA), entre otros.
¿El proceso de selección de invitados apunta a crear crisis específicas?
Si. Por ejemplo el seminario de Belén Gache (Desde Dadá a Fluxus y del Letrismo al Arte del Concepto) fue un seminario que desconcertó porque muchas prácticas contemporáneas están situadas en investigaciones que creen inaugurar estados renovados en relación a las prácticas. Entonces, al situar la historia del siglo XX en cuanto al arte conceptual, Letrismo, Situacionismo, o Fluxus, devela que muchas de esas investigaciones tenían sus referentes históricos. Eso es una pequeña crisis porque entontes el artista ahí tiene que revisar en qué está metido y darse cuenta que lo que consideraba absolutamente novedoso, mínimamente lo tiene que empezar a poner en diálogo o crisis con la historia.
Cuando vino Catherine David (curadora de Documenta de Kassell) les aportó a los artistas un razonamiento y un análisis, información en cuanto a temas específicos, hizo correcciones de una manera muy sutil también.
Lo que me interesó de la visita de Fran Ilich (artista contemporáneo mexicano) es que es un artista que tiene un super currículum, realmente es un artista con un gran reconocimiento y sin embargo su práctica es netamente contracultural y quise que lo vieran para que no tengan miedo de abandonar ciertos márgenes conservadores de algunas prácticas. Hay un temor a quedar dislocado, a quedar fuera de todo sistema y entonces lo interesante es ver que el mismo artista que le diseña la Web al Comandante Marcos cuando circula como artista visual tiene un reconocimiento que muchos de los que hacen prácticas clásicas no tienen.
¿Qué pasa cuando un artista se frena, para de producir? ¿Qué herramientas utiliza para ayudarlo a seguir?
No está todo situado en mí. En cada presentación hay distintos artistas y críticos de excelente nivel. Todos tenemos una responsabilidad compartida. No he tenido casos concretos que hayan presentado el problema de que no produjeron, de que estaban en un parate de producción. En todo caso los problemas se discuten dentro de un marco donde opinan todos y desde donde surgen opciones para que revean y descubran por sí mismos.
¿Qué ocurre cuando el artista quiere incursionar en lenguajes artísticos que desconoce, que le son ajenos pero que desea incorporar a sus proyectos?
Cierto arte contemporáneo es sobre todo un espacio de real experimentación, porque como todas las prácticas son atravesadas por el conceptualismo, el artista puede desde mandar a producir la obra a proponerse trabajar un lenguaje desde un estado de pureza. Es decir, sin ningún tipo de educación anterior previa. Me gustan los atrevidos. En un clima donde la propia educación artística -universidades e instituciones- está cuestionada, también cabe pensar que alguien diga: ¿por qué tengo que hacer toda la carrera de teatro para hacer performance?, ¿quién dice que tengo que hacer la carrera de cine para realizar un video? Eso produjo desde aquel que es conciente de que una limitación técnica le puede arruinar una práctica y en consecuencia decide trabajar en colaboración e invitar a quien efectivamente conoce ese lenguaje, y de paso tener una experiencia colaborativa, a aquel que se larga a veces de manera impulsiva y se mete en expresiones que no están dentro de su dominio. Es un tema delicado, es un tema que se discutió en las presentaciones, yo misma planteaba los porques de cada nueva inclusión y la justificación necesaria para determinados desvíos. Una vez que esta claro que el artista no está experimentando por una cuestión frívola sino que está utilizando ese lenguaje para plantear otra cosa, ahí lo podés ayudar, asesorarlo, reorientarlo.
El campo de las artes visuales contemporáneas se mete con los límites, rompió las categorías, las disciplinas y va por más.
*Eugenia Garay Basualdo, Alejandro Zuy y Beatriz Montenegro de Antico, provenimos de las carreras de Curaduría e Historia del Arte y Expertizaje y Valuación de Obras de Arte de la Universidad del Museo Social Argentino (UMSA). Participamos en el Lipac a través de la selección que se realizó para el denominado Módulo TI (Trabajos de Investigación) para proyectos de investigación curatorial y/o archivos en enlace con distintas universidades.
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Cofre Completo 3
Otra manera de disfrutar el mejor espectáculo circense del mundo. En esta ocasión, el último espectáculo...
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Vivir el arte
Exposición de artistas jóvenes - UMSA 2008
Vivir el Arte:
Curadores y Artistas en una experiencia directa
Grupo de Acción Curatorial
Es una propuesta de los alumnos de la carrera de Curaduría e Historia de las Artes de la Universidad del Museo Social Argentino, y tiene como objetivo reflexionar sobre la interdisciplinariedad en el campo artístico.
En la sede de la Facultad de Artes y Ciencias de la Conservación se expondrán 37 obras de 29 artistas, incluyendo pinturas, grabados, esculturas, objetos e instalación.
La muestra estará acompañada por una mesa redonda a realizarse el 21/11.
Los esperamos...
Inauguración: 18 de noviembre de 2008, 19 hs.
Horario: de lunes a viernes de 10 a 21 hs. Sábados de 10 a 13 hs.
Lugar: Sarmiento 1565, sede de la Facultad de Artes y Ciencias de la Conservación, Universidad del Museo Social Argentino, UMSA. Tel: (54-11) 5217-9401/2/3
Cierre: 20 de diciembre de 2008
Mesa redonda “Teoría y Práctica Artística: Interdisciplinariedad, roles y perspectivas”. 21 de noviembre, Facultad de Artes y Ciencias de la Conservación, 19 hs.
Entrada libre y gratuita.
Omar Panosetti
en Recoleta: “Mondopano II”
Pinturas, dibujos y fotografías componen esta muestra antológica que recorre la producción más actual de Omar Panosetti.
El artista, nacido en Buenos Aires, Gran Premio de Honor en Dibujo del Salón Nacional de Arte Visuales, con una trayectoria que trasciende las fronteras argentinas, expondrá su obra poblada de relatos urbanos.
El principal protagonista de la realidad recreada en la obra de Panosetti es el Edificio: humanizado o no, gobierna su entorno. Los edificios no pierden su condición de tales, pero a la vez son crueles, porque tienen las propiedades de quien los creó, con lo que transmiten una idea inquietante: el hombre crea ciudades que lo terminarán devorando.
El edificio es la entificación de nuestra ciudad posmoderna, alienada y alienante, en la que se proyectan cualidades del propio hombre, que termina creando sus propios monstruos. Pero en esta ciudad posmoderna los monstruos no son verdaderos ni llegan a ser terroríficos. La crueldad y las cualidades que se desprenden del edificio engendran seres ligados a ellas; así aparecen el Hombre Edificio, la Empanada Humana o el Albino Asesino, monstruos tristes y absurdos, patéticos y solitarios.
En esta ciudad cruel Panosetti recrea nuestro mundo y en él nos recrea a nosotros: de algún modo somos los monstruos. Por eso podemos identificarnos con ellos, porque son parte de nosotros mismos.
Centro Cultural Recoleta. Junín 1930. Sala 10. Capital Federal
Inauguración: Jueves 13 de Noviembre de 2008, 19 hs.
Hasta el 8 de Diciembre de 2008. Horarios: 14 hs. a 21 hs.
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